現代アートはわからないままで大丈夫！楽しむための5つのヒント

こんにちは、アザミです。

美術館に足を運んで、絵の前に立ったとき、これは一体なんだろう…と、頭の上に「？」が浮かんでしまうこと、ありませんか。

私も、最初はそうでした。

現代アートはわからない、そう感じてしまうのは、少しもおかしなことではないんですよね。

むしろ、その「わからない」という気持ちこそが、アートの世界への入り口なのかもしれません。

多くの人が現代アートに対して難しいという印象を抱き、作品の楽しみ方や意味が分からず戸惑ってしまうことがあります。

特に、一見すると意味不明に見える作品を前にすると、どう鑑賞したら良いのか途方に暮れてしまうかもしれません。

今回の記事では、現代アートはわからないと感じるその理由を一緒に探りながら、作品の世界をより豊かに楽しむための見方やヒントを、アート仲間として共有していきたいと思います。

歴史やアーティストのコンセプトといった背景を知ることで、見え方が変わることもありますし、アート思考を少しだけ意識してみることで、日常がもっと面白くなるかもしれません。

大切なのは、正解を探すことではなく、自由に感じること、そして、もし良ければその感動を誰かと語り合うことだと私は思います。

このブログが、あなたがアートと仲良くなるための、小さなきっかけになれば嬉しいです。

「現代アートはわからない」と感じる、その理由を探る旅

なぜ「意味不明」と感じてしまうのか

「この作品、なんだかよくわからないな…」。

現代アートを前にして、多くの人が一度は抱くこの感情の正体は、一体何なのでしょうか。

私たちが「アート」と聞いて思い浮かべるのは、ルネサンス期の美しい肖像画や、印象派の柔らかな光の風景画だったりすることが多いかもしれませんね。

そこでは、描かれている対象が何であるか、例えば「女性の肖像」や「睡蓮の池」といったことが、一目で理解できました。

つまり、これまでのアートの多くは、「現実の世界をいかに巧みに、あるいは美しく再現するか」という共通の物差しを持っていたと言えるでしょう。

ところが、現代アートはこの物差しを、ひょいと飛び越えてしまったんですよね。

現代アートは、必ずしも何かを「再現」しているわけではありません。

アーティストが表現したいのは、目の前にある風景そのものではなく、アイデアや問題提起、あるいは感情そのものだったりします。

だから、キャンバスに色が塗られているだけであったり、日常的なモノがぽつんと置かれていたりする作品が登場するわけです。

これには理由があります。

写真技術の登場は、その大きなきっかけの一つと言われています。

見たままの世界を記録する役割を写真が担うようになったことで、画家たちは「絵画にしかできない表現」を模索し始めました。

その結果、アートは「再現」という呪縛から解き放たれ、より自由で、内面的な、概念的な表現へと向かっていったのです。

この変化を理解すると、現代アートが意味不明に感じられる理由が見えてきます。

私たちは無意識のうちに「何が描かれているか」を探そうとしますが、現代アートは「何が表現されているか」を問いかけてくるのです。

この視点の転換に、最初は戸惑ってしまうのかもしれません。

ここで、伝統的なアートと現代アートの役割の違いを、簡単な表で比較してみましょう。

比較項目	伝統的なアート（例：ルネサンス、印象派）	現代アート
主な目的	現実世界の再現、美の追究、物語の伝達	アイデアの提示、問題提起、新しい視点の提供
評価の基準	写実性、技術的な巧みさ、構図の美しさ	コンセプトの独創性、表現の新しさ、鑑賞者への問いかけ
鑑賞者の役割	描かれた内容を理解し、その技術や美しさを味わう	作品をきっかけに思考し、自分なりの意味や問いを見つける

この表からもわかるように、現代アートは私たち鑑賞者に対して、より積極的な参加を求めているように感じます。

「これは何だろう？」と感じたその瞬間から、実はもうアートとの対話は始まっているのです。

だから、意味不明だと感じることは、決してネガティブなことではなく、むしろ現代アートを楽しむためのスタートラインに立った証拠だと言えるかもしれませんね。

ヒントはアートの意外な歴史にある

「現代アート」と一括りにしてしまうと、とても大きなものに感じられますが、これもまた長いアートの歴史の地層の上に成り立っています。

その歴史を少しだけ知っておくと、「わからない」と思っていた作品が、急に身近に感じられることがあるから不思議です。

私たちが「現代アート」と呼んでいるものの多くは、20世紀初頭の「モダンアート（近代美術）」の流れを汲んでいます。

ピカソのキュビスムのように、対象を様々な角度から捉え、一つの画面に再構成する試みも、見たままを描くことから離れる大きな一歩でした。

そして、その流れを決定的にしたのが、マルセル・デュシャンというアーティストです。

彼が1917年に発表した《泉》という作品は、ただの男性用小便器にサインをしただけのものでした。

もちろん、発表当時は大きなスキャンダルとなりました。

しかし、彼はこの作品を通して「アーティストが『これはアートだ』と提示すれば、それはアートになりうるのではないか？」という、アートの根源的な問いを投げかけたのです。

「美しさ」や「技術」ではなく、「アイデア（コンセプト）」そのものが作品の中心になる、という考え方です。

このデュシャンの問いかけが、その後のアートに絶大な影響を与えました。

第二次世界大戦後、アートの中心はパリからニューヨークへと移り、さらに多様な表現が生まれてきます。

例えば、アンディ・ウォーホルのようなポップ・アートのアーティストたちは、キャンベル・スープの缶やマリリン・モンローといった、大量生産・大量消費社会のイメージを作品に取り入れました。

彼らは、アートと日常の境界線を曖昧にし、「何がアートで、何がアートでないのか」という問いを、より身近な形で私たちに提示したのです。

また、ミニマル・アートのように、装飾を極限まで削ぎ落とし、物質そのものの存在感を問うような動きも現れました。

一見するとただの箱や板にしか見えない作品は、鑑賞者に「これは何なのか」「アートとは何か」と、静かに、しかし強く問いかけてくるようです。

こうした歴史の流れを知ると、現代アートが「わかりやすい答え」を提示するのではなく、鑑賞者に「問い」を投げかけることを目的としている場合が多い、ということが見えてきませんか。

目の前の作品が、アーティストによる壮大な歴史への応答であり、私たち鑑賞者への新たな問いかけなのだと考えると、ただの「意味不明なモノ」から、知的な刺激に満ちた「対話の相手」へと変わって見えるかもしれません。

全てを暗記する必要は全くありません。

ただ、「昔とは違うルールで表現しているんだな」ということと、「アートの歴史の中での一つの挑戦なんだな」ということを頭の片隅に置いておくだけで、作品との距離がぐっと縮まるように感じます。

作品の「コンセプト」を知る楽しみ方

現代アートの世界を旅していると、必ず出会うのが「コンセプト」という言葉です。

なんだか難しそうに聞こえるかもしれませんが、私なりに噛み砕いてみると、「アーティストがその作品を通して、何を考え、何を伝えようとしたのか、その中心にあるアイデア」といった感じでしょうか。

先ほどのデュシャンの例で言えば、「既製品もアートになりうるか？」という問いが《泉》のコンセプトです。

このコンセプトこそが、現代アートを鑑賞する上で、とても面白い羅針盤になってくれるんですよね。

見た目だけでは「わからない」と感じる作品も、そのコンセプトを知ることで、パッと視界が開けるような体験をすることがあります。

では、そのコンセプトはどこで知ることができるのでしょうか。

美術館やギャラリーに行くと、作品の横に小さな説明書き（キャプション）がありますよね。

タイトルや制作年、素材などと一緒に、短い解説文が添えられていることが多いです。

まずは、ここを読んでみるのが一番の近道です。

「難しそう…」と敬遠せずに、推理小説のヒントを読むような気持ちで眺めてみてください。

アーティストの意図や、作品が作られた背景などが書かれていると、作品の見え方ががらりと変わることがあります。

例えば、真っ白なキャンバスが展示されているとします。

見ただけでは「これは何だろう？」と思いますよね。

でも、もしキャプションに「雪が降り積もる音を表現しようと試みた」と書かれていたらどうでしょうか。

私たちはその白い画面を見ながら、しんしんと降る雪の静けさや、音のない世界の音に、思いを馳せることができるかもしれません。

作品を見るだけでなく、「読む」という行為が加わることで、鑑賞はもっと立体的で、個人的な体験になるのです。

また、展覧会の図録や、アーティストのインタビュー記事なども、コンセプトを知るための素晴らしい手がかりになります。

もちろん、全ての情報を知る必要はありません。

それに、コンセプトを知る前に、まずは自分が何を感じるかを大切にするのも、とても素敵な鑑賞方法だと思います。

ただ、もし「もう少しこの作品と仲良くなりたいな」と感じたなら、ぜひそのコンセプトを探る冒険に出てみてください。

アーティストが仕掛けた謎解きに挑戦するようなワクワク感が、そこには待っています。

コンセプトを知ることは、答え合わせではありません。

それは、アーティストとの対話を始めるための、一つのきっかけ作りなのです。

そのヒントを元に、さらに自分なりの解釈や物語を紡いでいくことこそ、現代アートが私たちに与えてくれる、最高の楽しみ方の一つだと私は感じています。

有名アーティストの考え方に触れてみる

現代アートという広大な海を航海するとき、偉大なアーティストたちの言葉や考え方は、まるで灯台の光のように私たちの進む道を照らしてくれることがあります。

作品そのものだけでなく、それを作ったアーティストがどんな人物で、どんなことを考えていたのかを知ることで、作品への理解や親しみがぐっと深まるんですよね。

例えば、先ほども登場したアンディ・ウォーホル。

彼は「良いビジネスは最高のアートだ」といった言葉を残しています。

この言葉を知ると、彼がスープ缶や有名人の肖像を繰り返し描いたのが、単なる奇抜なアイデアではなく、アートと商業、大衆文化の関係性を鋭く見つめていたからなのだと理解できます。

彼の工場（ファクトリー）と呼ばれるスタジオで、シルクスクリーンという印刷技術を使って作品を「生産」したスタイルも、彼の思想の現れだったのかもしれません。

また、日本のアーティストである草間彌生さんを思い浮かべてみましょう。

彼女の作品は、水玉（ドット）やかぼちゃのモチーフで世界的に知られています。

一見すると、とてもポップで可愛らしい印象を受けるかもしれません。

しかし、彼女が幼い頃から悩まされてきた幻覚や強迫観念を芸術に昇華させている、という背景を知るとどうでしょうか。

無数に増殖していく水玉は、彼女が見ていた世界の再現であり、自己を消滅させたいという欲求（自己消尽）の表現でもあります。

その壮絶な人生と制作活動が分かちがたく結びついていることを知ると、作品の持つエネルギーの強さや、切実さに、改めて心を揺さぶられるように感じます。

もう一人、ヨーゼフ・ボイスというドイツのアーティストも興味深い存在です。

彼は「すべての人間はアーティストである」と語りました。

これは、誰もが絵を描いたり彫刻を作ったりすべきだ、という意味ではありません。

彼が言いたかったのは、人間が持つ創造性を使って社会をより良いものへと彫刻していくこと、その行為こそがアートなのだ、ということです。

彼の考え方に触れると、アートの範囲が美術館の中だけでなく、私たちの生きる社会全体にまで広がっていくような、壮大な気持ちになります。

このように、アーティストの言葉や人生は、作品を解釈するための非常に豊かな文脈を与えてくれます。

彼らの伝記を読んでみたり、インタビュー映像を探してみたりするのも、アートの楽しみを広げる素敵な方法です。

有名アーティストたちの考え方に触れることは、彼らが作品に込めたメッセージを深く理解する手助けになるだけでなく、私たち自身のものの見方や考え方にも、新しい光を当ててくれるかもしれませんね。

美術館へ行く前に知っておきたいこと

さて、現代アートに少し興味が湧いてきたら、いよいよ美術館へ冒険に出かけたくなりますよね。

でも、「何だか敷居が高いな」「どうやって見たらいいんだろう」と感じる方もいるかもしれません。

ここでは、アート探求家の仲間として、私が美術館での時間をより豊かにするために、いつも心掛けていることをいくつか共有させてください。

特別なことではなく、ほんの少しの準備と心構えです。

まず一番大切なのは、「全部を完璧に理解しよう」と意気込みすぎないことかもしれません。

展覧会にはたくさんの作品があります。

そのすべてを均等に、集中して鑑賞するのは、とてもエネルギーのいることです。

まるで、分厚い本を一日で読破しようとするようなものかもしれません。

疲れてしまっては、楽しむものも楽しめなくなってしまいますよね。

だから、まずは館内を散歩するような気持ちで、全体を軽く眺めてみるのがおすすめです。

その中で、「お、なんだかこの作品、気になるな」と感じるものがあったら、その前に戻って、じっくりと時間をかけてみてください。

全ての作品と深く対話しなくても、たった一つの作品との素敵な出会いがあれば、その日の美術館体験は、きっと忘れられないものになるはずです。

次に、意外と重要なのが、服装です。

特に、歩きやすい靴は必須アイテムと言えるでしょう。

美術館は思った以上に広く、作品の前で立ったり座ったり、様々な角度から眺めたりと、結構歩き回るものです。

足が疲れてしまうと、作品に集中できなくなってしまいます。

また、館内は空調が効いていることが多いので、羽織れるものが一枚あると、温度調節ができて快適に過ごせます。

そして、音声ガイドやスマートフォンのアプリなども、積極的に活用してみてはいかがでしょうか。

最近では、多くの美術館が独自の音声ガイドを用意しており、アーティスト本人や専門家による解説を聞くことができます。

作品の背景や制作秘話などを知ることで、一人で鑑賞するのとはまた違った発見があるかもしれません。

最後に、ぜひ試してほしいのが、「自分だけのお気に入りの一枚」を見つける、というゲーム感覚の鑑賞法です。

専門家が評価する名作かどうかは、一旦置いておきましょう。

理屈ではなく、ただただ「好きだな」「なんだか心惹かれるな」と感じる作品を、一つ見つけてみるのです。

そして、「なぜ自分はこの作品が好きなんだろう？」と、少しだけ考えてみてください。

色でしょうか、形でしょうか、それともタイトルから想像が膨らむからでしょうか。

その理由を考えるプロセスこそが、あなた自身のアートへの感性を磨き、自分だけの見方を発見する、素晴らしいトレーニングになると思います。

美術館は、知識を試される場所ではなく、未知との出会いを楽しむ場所です。

少しの準備と遊び心を持って、ぜひ気軽に足を運んでみてください。

 

「現代アートはわからない」からこそ広がる、新しい鑑賞の扉

まずは理屈ぬきに「感じる」ことから

現代アートを前にして「わからない」と感じたとき、私たちはつい頭で理解しようとしてしまいます。

「この作品の意図は何か」「正しい見方はどれか」…。

でも、一度その思考のスイッチをオフにして、ただ目の前の作品を、心の目で、体全体で「感じる」ことから始めてみてはいかがでしょうか。

それは、美味しいものを食べたときに「美味しい！」と感じたり、美しい夕日を見て「きれいだなあ」と感動したりするのと、実は何も変わらないのかもしれません。

アート鑑賞に、特別な才能や知識が必ずしも必要ではないんですよね。

作品の前に立ったら、まずは深呼吸をしてみてください。

そして、ただ、眺めてみる。

どんな色が使われているでしょうか。

赤、青、黄色…その色は、あなたにどんな気持ちを届けますか。

温かい気持ち、冷たい気持ち、それとも少し不安な気持ちでしょうか。

形はどうでしょう。

滑らかな曲線、ギザギザの直線、それとも、もやもやとした形のない塊でしょうか。

その形から、何かを連想しますか。

素材の質感も感じてみてください。

キャンバスの布の目、絵の具の盛り上がり、金属の冷たさや、木の温もり。

もし自分がその作品に触れたとしたら、どんな感触がするだろうと想像してみるのも面白いですね。

「この作品、なんだかザラザラしてそうだな」とか、「この青色を見ていると、静かな海の底にいるような気持ちになるな」とか。

それで、いいんです。

いや、それが、いいんです。

大切なのは、あなたの心がどう動いたか、というその一点です。

正解はありません。

もし、何も感じなかったとしても、それもまた一つの正直な反応です。

「うーん、特には…」と感じる自分を、否定する必要は全くありません。

その「何も感じない」という感覚自体が、アーティストの意図したこと、という可能性だってあるのですから。

アートとの対話は、とても個人的なものです。

他の人がどう思うか、専門家がどう評価するかは、一旦脇に置いておきましょう。

あなたが作品の前に立って、何を感じ、何を思ったか。

そのささやかな心の動きこそが、誰にも真似できない、あなただけの鑑賞体験なのです。

知識は、後からついてくる補助輪のようなもの。

まずは、理屈抜きに、あなたの五感と心を解放して、作品と向き合ってみる。

その静かで自由な時間こそが、現代アートがくれる、最高の贈り物の一つだと私は思います。

「わからない」という思考の迷路から抜け出して、「感じる」という広大な草原に、一歩足を踏み出してみませんか。

誰かと作品について「語り合う」面白さ

一人で静かに作品と向き合う時間は、とても豊かで貴重なものです。

でも、その体験を誰かと共有することで、アートの楽しみは、思いがけない方向に何倍にも広がっていくことがあるんですよね。

美術館に行った後、友人や家族と「あの作品、どう思った？」と語り合う時間、想像しただけでワクワクしませんか。

現代アートの鑑賞には、唯一の正解がありません。

だからこそ、他人の視点を知ることが、自分一人では気づけなかった作品の魅力に光を当ててくれるのです。

例えば、あなたが「なんだか冷たくて、少し怖い感じがしたな」と思った作品について、友人が「え、本当？私はなんだか宇宙みたいで、すごく壮大でワクワクしたよ」と語ったとします。

その瞬間、あなたの見ていた作品の世界は、ぐっと広がりを見せるはずです。

「なるほど、そういう見方もあるのか！」

その驚きと発見こそが、対話の醍醐味です。

相手の意見に無理に合わせる必要はありません。

自分の感じたことを正直に伝え、相手の感じたことに真摯に耳を傾ける。

そのキャッチボールの中で、作品は多様な表情を見せ始めます。

まるで、一面的な板だと思っていたものが、実は多面的な結晶体だったと気づくような感覚に近いかもしれません。

語り合うことのもう一つの面白さは、自分の考えを整理できる点にあります。

頭の中でぼんやりと感じていたことが、言葉にして相手に伝えようとすることで、輪郭がはっきりしてくることがあります。

「なんで私は、この作品を『怖い』と感じたんだろう…あ、そっか、この黒色が、まるで底なしの闇のように見えたからかもしれないな」というように。

言葉にするプロセスを通して、自分の感性と向き合い、自己理解を深めることにも繋がるのです。

もし、周りにアートについて話せる人がいなくても、心配はいりません。

今ではSNSやブログなどで、展覧会の感想を発信している人がたくさんいます。

そうした投稿を読んでみるだけでも、多様な視点に触れることができて面白いですよ。

勇気を出してコメントしてみれば、そこから新しい対話が生まれるかもしれません。

大切なのは、「上手な感想を言わなければ」と気負わないことです。

「あの作品の、あの青色がすごく好きだった！」とか、「正直、よくわからなかったけど、なんだか気になっちゃうんだよね」とか。

そんな素直な言葉で十分です。

アートをきっかけにした対話は、勝ち負けを決めるディベートではありません。

それは、互いの感じ方の違いを尊重し、楽しむための、豊かなコミュニケーションなのです。

「わからない」を共有することから始めてもいい。

むしろ、そこから始まる対話こそ、最もエキサイティングなのかもしれませんね。

日常を豊かにする「アート思考」とは

最近、「アート思考」という言葉を耳にする機会が増えたように感じます。

ビジネスの文脈で使われることも多いので、少し難しく聞こえるかもしれませんが、私はこれを「アーティストのように世界を見て、考えてみる試み」と、もっとシンプルに捉えています。

そして、このアート思考こそが、現代アートの鑑賞だけでなく、私たちの日常をより面白く、創造的にしてくれるヒントに満ちているように思うのです。

では、アーティストのように見る、とはどういうことでしょうか。

その核心にあるのは、「当たり前を疑う視点」だと私は考えています。

例えば、私たちはリンゴを見れば、無意識に「これはリンゴだ」と認識し、思考を止めてしまいます。

しかし、アーティストなら、そこからさらに思考を深めていくかもしれません。

「なぜこれは赤いのだろう？」「この形は完璧な球体ではないな」「光が当たっている部分と影の部分の色は、どう違うだろう？」「もしこのリンゴが言葉を話せたら、何を語るだろう？」

このように、既成概念や常識で物事を判断するのではなく、自分自身の目で観察し、問いを立て、探求していくプロセス。

これがアート思考の第一歩です。

この思考法は、現代アートの鑑賞に直接役立ちます。

一見して意味不明な作品も、「これは〇〇だ」と決めつけるのではなく、「これは何だろう？」「作者はなぜこれを作ったのだろう？」「この素材を選んだのには、どんな意味があるのだろう？」と、自分の中に問いを立ててみる。

すると、作品は単なる「モノ」ではなく、思考を誘発する「装置」として機能し始めます。

答えが見つからなくても構いません。

その「問い続ける」姿勢そのものが、アート思考の実践なのです。

そして、この力は日常生活の様々な場面で活かすことができます。

例えば、いつも通る通勤路の風景を、初めて訪れた場所のように意識して眺めてみる。

すると、今まで気づかなかった看板のデザインや、季節ごとに表情を変える街路樹の姿など、新しい発見があるかもしれません。

それは、日常というキャンバスに、あなた自身が新しい意味や価値を見出す、ささやかで、しかし確かな創造的行為だと言えるでしょう。

現代アートは、私たちにこの「アート思考」をトレーニングさせてくれる、最高のジムのような場所なのかもしれませんね。

作品を通して「当たり前」を揺さぶられる体験は、凝り固まった私たちの思考をほぐし、世界をより瑞々しく、多角的に捉える視点を養ってくれるのです。

あなただけの作品の「見方」を見つける

ここまで、現代アートと仲良くなるための、様々なヒントを一緒に探求してきました。

歴史を知ること、コンセプトを読むこと、アーティストの想いに触れること、そして誰かと語り合うこと。

これらは全て、広大なアートの海を航海するための、頼もしい地図や羅針盤になってくれるでしょう。

しかし、旅の最後に最も大切なのは、あなた自身の目で、あなただけの宝物を発見することです。

専門家や評論家が絶賛する作品に感動できなくても、全く気にする必要はありません。

逆に、誰も注目していないような片隅の作品に、強く心を惹かれることもあるでしょう。

その「あなただけの感覚」こそ、何よりも尊重すべきものです。

あなただけの見方を見つけるために、決まったルールはありませんが、いくつか試してみてほしい「視点のスイッチ」があります。

視点のスイッチ：鑑賞をゲームに変えるヒント

こうした視点を切り替える遊びを試してみることで、アートの見方は無限に広がっていきます。

アートの鑑賞は、クイズを解くことではなく、自分だけの地図を描く作業に似ています。

様々な知識やヒントは、その地図を描くための道具にすぎません。

どんな道を描き、どこに印をつけるかは、全てあなたの自由です。

時には、作品の前にただ座って、ぼんやりと時間を過ごすだけでもいいでしょう。

その時間の中で、ふと心が動く瞬間があったなら、それがあなたとアートとの、かけがえのない対話の始まりなのです。

色々な見方を試していくうちに、あなたはきっと、自分なりのアートとの付き合い方、心地よい距離感を見つけられるはずです。

それは、他の誰のものでもない、あなただけの、とても個人的で、豊かな財産となるでしょう。

まとめ：「現代アートはわからない」ままでいい

ここまで、現代アートはわからないという気持ちを入り口に、様々な楽しみ方を探る旅をご一緒してきました。

いかがでしたでしょうか。

もし、この長い旅路を終えて、あなたがまだ「やっぱり、現代アートはわからないな」と感じていたとしても、私は、それで全く問題ないと思います。

むしろ、その「わからない」という感覚こそ、大切に持ち続けてほしい、とさえ感じています。

なぜなら、「わかった」と思ってしまった瞬間、私たちの思考はそこで止まってしまうからです。

探求は終わり、対話の扉は閉ざされてしまいます。

しかし、「わからない」と感じている限り、私たちは問い続けることができます。

「これは何だろう？」「なぜだろう？」と。

その知的な好奇心こそが、私たちを新たな発見へと導き、凝り固まった価値観を揺さぶり、世界をより豊かに見せてくれる原動力になるのではないでしょうか。

現代アートは、私たちに明快な答えを与えてくれる存在ではないのかもしれません。

そうではなく、私たちの心の中に、ささやかで、しかし確かな「問い」の種を植え付けてくれる存在なのです。

その種がすぐに芽を出すとは限りません。

何日も、何年も経ってから、ある日突然、日常の何気ない風景の中で、ふとその問いの意味に気づくことがあるかもしれないのです。

アートとの出会いは、一期一会です。

すべての作品を好きになる必要はありませんし、理解する必要もありません。

ただ、あなたの心が少しでも動いた作品、なぜか気になる作品があったなら、その出会いを大切にしてみてください。

その作品は、これからのあなたの人生の旅路を、時々ふと照らしてくれる、小さな灯台のような存在になってくれるかもしれません。

「現代アートはわからない」。

その言葉を、アートを楽しむことを諦める言い訳にするのではなく、無限の探求を始めるための、魔法の合言葉として使ってみませんか。

私も、アート探求家として、これからも皆さんと一緒に、この面白くて、刺激的で、果てしない「わからない」の世界を、旅していきたいと思っています。